冰点分子——李文光个展

高温、干旱、洪涝、寒潮......这些极端气候已经持续性影响人类的日常生活，环境问题似乎又一次更加牢固地回归到公众的意识中，与资本、国家和权利紧密联系起来，从而引发地缘政治上的争端和冲突。回归本质，体现的就是对这颗星球不稳定未来的忧忡。自然而然地，艺术家们会把自身的艺术实践当作反思的容器，尤其在特殊时期，生存受到威胁时所采取的行动也将变成希望的灯塔。

在李文光近期的创作中，对自然危机以及个体境遇的思考一点点显形，他将景观、身体和时间进行混合来分析现实，用冰山的主题证实气候变化的真实存在，以及污染的水体、砍伐的森林、枯萎的盆栽......这些主题演变成后期作品韧性发力的蛹。

本次展览的名称，灵感源自于物理学的概念：冰点，水由液态冻结成固态的临界值，是一种自由、流动的、无定形式的向质量、稳定的、由形式定义的规训，也是将人类生存空间困囿在最小活动范围的隐喻；分子，在物质发生变动瞬间之前无限小的阈值，是独立存在的最小单元，也是相互依存成整体的其中之一。冰点分子，正是这种辩证，如果分子间作用力更加团结，它会影响其物质层级间的性质。

在此，他提供了俯瞰的视角——对既定的秩序进行长久的审视，扁化为一道道分岔的小径，将作品引向为“能量的全景图①”，在构成之初便把画布分割成为等比大小的网格，就像梳子一样筛选过组建排列，并力图让线性的时间重叠共存。这种仪式感使观众立刻被推到作品的表面和笔线的细节，同时又被拉回一个多维度纵横交错的空间，使作品的地下世界浮出水面。

迄今为止，许多人都视架上绘画为艺术表现的次要媒介。然而，新兴一代的艺术家正在努力突破表现的极限，并尝试大量不同的技术来创造新颖和激进的绘画形式；有的艺术家则坚守传统的工具和技术，试图重塑当代绘画的意义和精神的界限。李文光使用中性水彩笔作为绘画的媒材，对绘画的基本语言——线条和形状，进行解散、重组、堆集等处理方式来记录现实的碎片化特质，形成作品中视觉词汇的基座。他坐在桌子前，编织和计算出一系列高度严谨、精密、节奏感的抽象，给视线以躺在平面上的错觉。每件作品都源自艺术家遵循的一套流程主导的规则，即相同且无休止重复的书写，让线条本身在隐喻的深邃海洋中游荡、内敛、积蓄，在高度严格的监管框架内野蛮的成长和再生，进入乔治·库布勒②所说的“人类创造力是不断重复的尝试”的规则中。

同时，他利用笔管中固有的红、蓝、绿色，通过颜色叠加的深浮和浅没来实现画布的地下世界。这些用以滚动的笔芯前端装置而来的痕迹，产生出自我的意识，自行载入历史的铺陈，连接到原始质料的过去、艺术家的过去以及集体的过去：曾经工业制造的进程、碳化钨球珠的力量，一种怀旧的叙事。这样的流动同样暗示出重新获得与身体存在感知的联系方法——劳作，并在当下手指滑动数字屏幕上的信息瀑布流而产生质朴的呼应。其次，他用矿物色熟褐在画面的局部染出时间残留的催化物，用树脂密封表层后形成石英般坚硬的质感，“静态的普遍平衡③”。就像洼地浓雾笼罩在某种阴沉的优雅、隐秘又清晰、谨慎而华丽的深渊。

李文光的元叙事云，是从早期的“护身符”精神图示建立起来，以“荷鲁斯之眼”，古代埃及神话中法老的守护神，他的眼睛意谓着无所不见，洞晓万物，借此他在寻求稳固、神秘、近乎完美的物质，就像亚里士多德所提出的“以太④”，抽象里最纯粹形式的体现。继而在几何绘画往具象化的尝试——滴水兽开始，存在画面中心的凝视犹如“作品在看我”。

这种主客错位的观看体验直到“科幻笔记”系列转变为冷静的研究，以及开始寻求逻辑认知上一种互文性的表达，并将公众的理解置于美学和科学共同作用的标本之上。他在两个月的驻地期间，起初制作一张五米以上的塑料膜水槽，随后将调制的颜料与水多次混合，最终将油渍产生的涂层效果拓印在纸本上，既像是“疾病类病菌在身体中扩散的过程，又形似工业污水中黏浊的金属颗粒⑤。”纸本晾干，托裱在树脂胶制作的黑板上，并附上连串的、虚构的数学公式来实现陌生化效果，这些附注给这些肌理的说明也是通向理性真实的假象，未在认知范畴建立起的浮标。

年初静默在家的时候，李文光对阳台上即将枯萎被丢弃的植物发起视觉的冥想，个体的境遇在严酷的社会现实面前敛缩为被铁丝缠绕、剪制、歪曲出的怪相畸形的“盆栽”。他的关注视角开始伸向日常，伸向内心和情感，逐渐向大众靠拢，就像一个个毛线团滚向公众的面前。观看也被编织成网格的幽灵，被它们扔进了“有意义”的隔间。