冬季暖和干燥的空调房间内，疲于屏幕观看的眼睛容易酸胀不适，就在眼睑（或许掖着泪水）垂落的瞬间，我们从数字媒体的全时段代理服务中稍稍抽离，被肉身的痛感粘连起情绪。在一个数字图像加速泛滥的时代，电子屏幕对塑造人类视觉经验的主导地位已无需赘言，艺术家们又为什么还在继续使用绘画这样基于物质材料和手工制作的古老媒介呢？
本次展览即由此出发，观察了六位伴随中国互联网一同长大的青年艺术家：陈若璠、高英普、吴越之、杨一凡、郑田明、朱荧荧，是如何在避无可避的屏幕旁画画的。有别于网络搜图、投影仪描形、P图临摹、AI破题之类简单的电子辅助运用，他们尝试从对赛博生活本身的体悟中开发绘画的新素材和新技术，以探测、剖析、反思或疗愈，进而从像素间挤压出那些难以被标签与表情包所化约的情感结节。
任由浏览、搜索、下载、更新的图像网络不但飞速扩容着艺术家的素材库，而且塑造出一种将来自拥有不同背景、功能、技术、物质载体的图像在电脑界面内平等陈列、随意组合的操作习惯，随之而来的也有对信息过载的疲惫和对系统暗箱控制的忧虑。基于都市消费主义的社会观察，高英普从庞杂的娱乐场景、广告图像、宣传文字、社交网络、流行文化符号中采集青年生活的闪亮元素，再以他鲜活的笔法搭建为画面中杂糅了讽刺、狂欢与失落的夜生活剧场。杨一凡则由从事缝纫的家庭记忆出发，在油画中结合了更具触觉质感的织物材料。他将承载不同回忆的怀旧图像拼合为超现实的心灵场景，再将纹案、质感、记忆各异的织物填充进图形，用平面以上的凹凸、触感和温度变化为作品注入绵厚的情感力度。
巨量图像素材的刺激之外，数字图像生产所独有的视觉风格和技术逻辑也塑造出新的身心体验。同样关注消费主义与流行文化的郑田明，多用采样与拼贴的方法对网络图像与日常用品进行荒诞重构。初音未来、绫波丽等迷人的动漫面孔被拆解、错接、叠映、混溶后的形象近似于人工智能程序生成的怪诞美学，可爱中透露着难以名状的危险和忧郁。身处悸动不安的时代，吴越之则用炫目、虚浮的流行视觉风格去激活古典静物画中对物质短暂、精神永恒的叹惋。荧绿色光芒从纯黑羽翼、雕花的缝隙中挣脱而出，如同历史幽灵的显现，也像是“硬核”游戏设备热衷的黑底绿灯线外壳。奢侈品广告般撑满画面的单色局部描绘把古典静物画对物品整体的永恒感刻画引向消费主义对高级细节质感的迷恋，又让人联想起他在3D打印的浮雕画框表面上蔓延作画的作品。比起对物质的再现，这更接近于建模软件中为素模表层附着上整张图片的贴图功能。
跨越多种创作媒介的艺术家们往往更倾向于媒介比较下的反思视角，利用不同媒介的特性去互相撬动彼此的缝隙，呈现出一种互渗互补的平衡。工作于绘画、摄影、动态影像三种媒介之间的朱荧荧，在绘画中引入了摄影图像的参照。此次展出的最新系列中，她便从旧照片里的蔬菜形态解析出其重复形式与人类情绪的关联，转化为微妙流动于具象与抽象、图像表征及形态实体之间的画作。涉足绘画、雕塑、装置、数字媒体等多种媒介的跨媒体艺术家陈若璠，用绘画来反思当代人对数字媒介与高新科技的过度依赖。她先利用3D软件建模，再以人的视角去为屏幕中塑造的图像写生，包括那些因技术局限产生的故障、畸变、裂痕，加以适当变形。她希望刻画出科技的脆弱与“不完美”，来唤起观众们内心无法被机器取代的人类感性。
与加速发展的诸多数字化工具相比，绘画显然并非更为便捷、高效、稳定的视觉生产和传播方式。但或许越是在依赖于身体之外的代理媒介去认知和改造世界的时代，这一物质性的手工劳作越是发挥了内省自我与人性的作用。在将赛博生存坦然接受为时代现实的基础上，六位青年艺术家或从正面利用、吸收，或从反面审视、补充，在推进绘画的同时也探测着数码媒介对人类感性作用的界限。有趣的是，郑田明、吴越之、陈若璠都将自己的工作方法联系到荷兰静物画的传统。毕竟在这副对数据视力依赖太久的目光之下，我们确实也曾流下过转瞬即逝却又与千百年前相通的物质的泪水。
本次展览即由此出发，观察了六位伴随中国互联网一同长大的青年艺术家：陈若璠、高英普、吴越之、杨一凡、郑田明、朱荧荧，是如何在避无可避的屏幕旁画画的。有别于网络搜图、投影仪描形、P图临摹、AI破题之类简单的电子辅助运用，他们尝试从对赛博生活本身的体悟中开发绘画的新素材和新技术，以探测、剖析、反思或疗愈，进而从像素间挤压出那些难以被标签与表情包所化约的情感结节。
任由浏览、搜索、下载、更新的图像网络不但飞速扩容着艺术家的素材库，而且塑造出一种将来自拥有不同背景、功能、技术、物质载体的图像在电脑界面内平等陈列、随意组合的操作习惯，随之而来的也有对信息过载的疲惫和对系统暗箱控制的忧虑。基于都市消费主义的社会观察，高英普从庞杂的娱乐场景、广告图像、宣传文字、社交网络、流行文化符号中采集青年生活的闪亮元素，再以他鲜活的笔法搭建为画面中杂糅了讽刺、狂欢与失落的夜生活剧场。杨一凡则由从事缝纫的家庭记忆出发，在油画中结合了更具触觉质感的织物材料。他将承载不同回忆的怀旧图像拼合为超现实的心灵场景，再将纹案、质感、记忆各异的织物填充进图形，用平面以上的凹凸、触感和温度变化为作品注入绵厚的情感力度。
巨量图像素材的刺激之外，数字图像生产所独有的视觉风格和技术逻辑也塑造出新的身心体验。同样关注消费主义与流行文化的郑田明，多用采样与拼贴的方法对网络图像与日常用品进行荒诞重构。初音未来、绫波丽等迷人的动漫面孔被拆解、错接、叠映、混溶后的形象近似于人工智能程序生成的怪诞美学，可爱中透露着难以名状的危险和忧郁。身处悸动不安的时代，吴越之则用炫目、虚浮的流行视觉风格去激活古典静物画中对物质短暂、精神永恒的叹惋。荧绿色光芒从纯黑羽翼、雕花的缝隙中挣脱而出，如同历史幽灵的显现，也像是“硬核”游戏设备热衷的黑底绿灯线外壳。奢侈品广告般撑满画面的单色局部描绘把古典静物画对物品整体的永恒感刻画引向消费主义对高级细节质感的迷恋，又让人联想起他在3D打印的浮雕画框表面上蔓延作画的作品。比起对物质的再现，这更接近于建模软件中为素模表层附着上整张图片的贴图功能。
跨越多种创作媒介的艺术家们往往更倾向于媒介比较下的反思视角，利用不同媒介的特性去互相撬动彼此的缝隙，呈现出一种互渗互补的平衡。工作于绘画、摄影、动态影像三种媒介之间的朱荧荧，在绘画中引入了摄影图像的参照。此次展出的最新系列中，她便从旧照片里的蔬菜形态解析出其重复形式与人类情绪的关联，转化为微妙流动于具象与抽象、图像表征及形态实体之间的画作。涉足绘画、雕塑、装置、数字媒体等多种媒介的跨媒体艺术家陈若璠，用绘画来反思当代人对数字媒介与高新科技的过度依赖。她先利用3D软件建模，再以人的视角去为屏幕中塑造的图像写生，包括那些因技术局限产生的故障、畸变、裂痕，加以适当变形。她希望刻画出科技的脆弱与“不完美”，来唤起观众们内心无法被机器取代的人类感性。
与加速发展的诸多数字化工具相比，绘画显然并非更为便捷、高效、稳定的视觉生产和传播方式。但或许越是在依赖于身体之外的代理媒介去认知和改造世界的时代，这一物质性的手工劳作越是发挥了内省自我与人性的作用。在将赛博生存坦然接受为时代现实的基础上，六位青年艺术家或从正面利用、吸收，或从反面审视、补充，在推进绘画的同时也探测着数码媒介对人类感性作用的界限。有趣的是，郑田明、吴越之、陈若璠都将自己的工作方法联系到荷兰静物画的传统。毕竟在这副对数据视力依赖太久的目光之下，我们确实也曾流下过转瞬即逝却又与千百年前相通的物质的泪水。
文/王彦钧
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