这个展览集结了一批活跃于沪上的艺术家，试图探讨两个问题：一，在不VR就不时髦，不科幻就不前卫的语境下，低技术版本的当代艺术创作，如何能对“重口味”当下人生效？二，在镜头效果往往远超越现场效果，屏幕浏览每每取代对面凝视的现实里，作品的现场为什么依然必须？这两个问题并非为某种回潮的保守主义趣味张目，而是为“技术+娱乐”所带来感官膨胀去魅。毕竟，正如策展人所言：“对于今天忙碌的人群，真正的放松不是放空，而是充分地沉浸。放空只是让身体松弛，而沉浸则是让心灵自由。”而艺术之所以能够让人“沉浸”，并非完全乞灵于“通感”，而更在于启发“想象”。
在技术高扬的时代，艺术将去向何方？是成为附着于物的花边，如同当年栖身于宗教一般安于展现科学的造物，成为新时代的呈现工具；亦或是固守着审美愉悦的职能，却眼看着感官的体验被其他媒介刺激地绝尘而去，难忘项背？如果我们依然相信艺术可以有裨益于心灵的动能，那一定不是无条件的。今天，我们更需要营造一个沉浸式的环境，以某种抑制感官接收强度的自我意志，挪出时间，放下工具，让肉身来至于现场，通过直观地凝视与聆听去感受艺术作为人所创造的“无用的造物”，所蕴含的“可见的灵光”。
“灵光”的概念因为著名学者本雅明的阐发而闻名。本氏用“灵光”这一带有宗教情怀的隐喻，在相当程度上指代艺术品的神秘韵味和受人膜拜的质素。艺术家以职业的敏感去感受这个世界，并用自己独特的波长和调性去发出声音，而每一位观看者，都是以自己独有的频道，通过作品与艺术家进行“耳语”，这无需大屏幕，不用一起鼓掌，更没有弹幕，这种方式已稀松平常又无处不在。今天，人更多通过机器来观察与展现这个可见的世界，通过数字与网络技术编织虚拟化的存在感。因此，本次展览一方面试图正视技术给视觉艺术本身带来的变革，尤其是给那些并非基于工具理性的艺术创作形态带来的变化；另一方面则集中呈现基于身体经验与内在感受的创作样式，以“可见的灵光”象征作者与观者之间更直接的互动关系。
在此基础上，本次展览试图营造“沉浸”的状态。王劼音、卢甫圣、陈心懋、杨冬白、黄渊青、蔡广斌、何曦、王天德、石至莹、王燮达等上海艺术界的中坚力量，强调专注的内在品质以及不具有侵略性的语言气质，他们的作品沉静而不寡淡，丰富而不嘈杂，专注而不保守，跨界而不牵强。在作品的呈现上，我们也摒弃了多余的视觉元素干扰，以衬托作品内在的整一性与丰富性。对于今天忙碌的人群，真正的放松不是放空，而是充分地沉浸。放空只是让身体松弛，而沉浸则是让心灵自由。艺术中的沉浸体验会锁定人的某些感官，从而让思绪和想象肆意飞扬。“沉浸的灵光”在今天则更代表一种将美融入生活的智慧，情感热烈深沉而不矫饰喧嚣，智慧隽永明快而不邀宠于形。
