中国当代艺术往何处去：在资本与权力两种异化力量的裹挟下，艺术是否还能找到自己的方向？在“作者已死”、“艺术终结”的后艺术、后历史语境中，艺术家如何还能保证存在的必要性和艺术的独创性？中国当代艺术家群体在过度开采传统文化符号和近现代商业、政治符号之后，如何继续施展自己的“中国性”与“当代性”，以及建基于此的“国际性”？
祝延存以其多年沉默而执着的努力，回应上述三种挑战，走出了属于自己的答案：
一、从人文关怀到生命关怀
祝延存的天然材料绘画之魅力，并不在于材料本身，而在于他从来不是为材料而材料，不是拿着材料去找主题，而是本着自己一贯的哲学家气质、艺术家敏感、持久的生命关怀，自然而然找到了量身定做的语言，也就赋予了这种语言以强大的生命力。
二、从旁观到在场
祝延存的作品有一种不露声色的“当代性”，关键就在于它们的时间性特征：形式不再永恒，色彩允许发酵，它们是一个过程的折叠，也是一段变化的持续敞开；它们不是完成时，而是进行时；从场内走向了场外，沟通艺术与非艺术，让更多事物拥有了艺术性，也让艺术恢复了更多原始生命力，因此，它们是介入而非分离的艺术，是参与而非旁观的艺术，这种参与不是摇旗呐喊，而是内在精神的吸纳与渗透，是作为生命之花的艺术与整个生活的土壤之间能量交换、物理循环的一次深刻展示。
三、从激昂到禅定
祝延存近年这批画作，呈现出内敛低调的色调，平实的构图，简明的关系，整个画面有时明净，有时沉着，观之令人心情沉静，呼吸均匀，颇有禅定的效果。虽从不搬弄任何中国元素，但蕴藉着延存至今的中国道禅精神。他画《荆溪的春天》，不是大红大紫，而是写出了一种生命的无声流淌；他的《大平掌》、《寻找茶祖》、《翁基》系列、《景迈山》系列，不是任何具体物象的写照，而是一种深沉久远的地理与人文的直观呈现……
故此，我们把此次展览名之为“化物”——从上次个展的“载物”到此次个展的“化物”，正是上述三种演进的“一言以蔽之”。著名的“庄周梦蝶”故事说道：“不知周之梦为胡蝶与，胡蝶之梦为周与？周与胡蝶，则必有分矣。此之谓物化。”我们也想问：不知是延存画（化）植物，还是植物画（化）延存？——延存与植物，则必有分矣。此之谓艺术。
