轻微整齐的刮痕显现了双重的底色；充满韵律然而自由的笔触拂过绘画的表面；丝丝缕缕的线条勾勒出页面的边缘，每一种元素都呈现在韩国著名艺术家赵容翊(b. 1934)以精巧且由过程驱动的画作见称的作品中。赵容翊从首尔国立大学毕业后，于六十年代声名鹊起，在七十年代加入“单色画”的创作领域。今次，马凌画廊隆重呈现赵容翊首次个展，探索艺术家对于这项运动即时的响应──通过强调“绘画过程”这一创作核心，表达重复、冥想和宁静的主题──而又区别于其他单色画艺术家，为他的作品保留了微妙的色彩暗示而著重了充满活力的材料物质性。
五十年代朝鲜半岛经历了政治动荡之后，在新建立起来的南韩土地上，涌现出新一批艺术家，致力于重新追溯他们在朝鲜王朝的民族根源；这种观点和习惯可以联系到道家、儒家以及佛教思想。单色画 对物料的独特处理赋予这场回潮一个契机：不费吹灰之力的推压、绘画和拉拽形成了一种感情净化。在艺术创作的层面上促成对米纸、颜料、画布等柔软物体的探索。通过同时展现画面间的联系和一定程度的表现力，这些作品表达出一种超越时间与空间的语言，也像征了从韩国艺术严谨传统中诞生的一次“解放”。
今次展出包括赵容翊在七十、八十和九十年代间的部分作品，分别却也共同展现了艺术家是怎样跟随单色画的主要原则，而又融入了个人元素。例如，七十年代的《刮痕系列》展现了他在画布上充满节奏的动作。他用自己的拇指刮去了上层的颜料，微微修改露出的底色。有时赵容翊也会跟随其他单色画艺术家所提倡的单一色彩的价值观，也同样从这点出发，尝试运用生动的红色，橙 色，间或蓝色的双重色调。由此，艺术家为他的画作增添了一股新的生命力，强调他绘画手势的特质，又与他六十年代《几何抽象》作品的色调相辅相成。
在80年代的《浪系列》和90年代的《竹系列》之后，赵容翊依旧看到在同辈艺术家中盛行的单色趋势和他自己更活泼大胆的创作手法之间的相互作用。在《浪系列》中，他仔细地吹过每幅画作的表面，但每一次呼气却倾注了他大量的体力，从而创造出画面上简约、重复却又特别的纹样。艺术家暗示了而非准确描绘出了海洋，使得观众即刻就能从作品的表达方式上感受出来，并通过他们的切身感受与观察来了解艺术家的创作意图。同样的，在《竹系列》中，精美的竹叶跃然纸上，巧妙地揭示物料的肌理。不同于竹子本身的简约，平面，甚至是朴素，这种手法赋予了整个系列的作品一种极富质感的立体性。
总之，赵容翊向我们展示了创作单色画的一个重要角度：他是这样的一个艺术家──他的思想以及表现方式显然与“单色画运动提倡的”重复、冥想和安宁相关联─ ─然而，他也肯定了色彩的运用。作品非但没有被艺术运动所强调的冥想所影响，反而充分表达了多重情感状态的可能性，一些是温暖的，而另一些是疏离的。由此，赵容翊的作品促使我们去探究单色画运动的多种表现形式，更积极地探索它与触感、思想和表现力之间的更多联系。
赵容翊被誉为南韩举足轻重的画家之一，曾于首尔Sungkok美术馆、三星美术馆、首尔及果川国立现代及当代艺术博物馆、首尔Arko美术中心及福冈艺术博物馆举行展览。赵的作品亦曾于巴黎（1961、1969）、圣保罗（1967）等地的双年展展出，更获多个永久馆藏罗致，包括首尔及果川国立现代及当代艺术博物馆、首尔艺术博物馆、三星美术馆及光州美术馆。
